Estamos con demoras porque estamos armando una pagina con mas informacion, trailers, festivales y muchas novedades para todos los aficionados al cine. Visitanos pronto en http://www.visiondelcine.com.ar/
A la ausencia de ayer, por las noches las calles se adornaron con los característicos banners del festival, las oficinas de informes se llenaron con los programas y horarios. Los transeúntes ocasionales, la gente mayor y los acreditadosdieron su presencia.
La única ausencia fue el típico diario día a día que uno supone que debe ser porel problema del papel prensa entre el gobierno y Clarín.
Dejando de lado eso, el festival tiene excelentes películas para ver,aunque en menos días de proyección se hace difícil ver todo el panorama.Hoy comenzaron varias proyecciones, desde el ciclo de Los Muppets, su historia y creadores; pasando por la presentación del nuevo film de los hermanos Coen, “Un Hombre Serio” solo para invitados; el cine digital 3D en el Ambassador; y varios films clásicos pasados en 35 mm como Hammett de Wim Wenders, y Una noche en la Opera de Sam Wood con los hermanos Marx.
Up, una aventura de altura
La sala del Ambassador se copo con grandes y chicos, la mayoría viendo por primera vez el sistema digital 3D. Pixar, como todos los años sorprende con sus increíbles historias.
Con personajes emotivose inolvidables, Up, una aventura de Altura funciona más para los grandes que para los chicos. Con momentos silenciosos reflexivos sobre lavejez, el amor, las promesas y la relación entre un niño y un anciano.
Una noche en la Opera
Esta fue la sorpresa del festival, la sección de los no ganadores del oscar es un gran logro de la organización, ver grandes clásicos en 35 mm en pantalla grande es algo inolvidable y difícil de perderse. La función sufrió un accidente y parte de la copia se prendió fuego, tardó unos minutos en volver a proyectarse.
Los hermanos Marx como siempre son el glamour del film, intercalados con grandes momentos musicales, parodias de los films musicales clásicos de la época. Lastima que solo haya una sola función para cada film de esta sección.
Moon
Llegó la noche del primer día, mientras “invitados” veían el último film de los Hermanos Coen. Otros asistimos a la proyección de Moon, dirigida por Duncan Jones, nada menos que el hijo de otro artista David Bowie.
El film de ciencia ficción se aleja de los efectos especiales cotidianos de este género y se acerca a la introspección de un personaje abandonado en la cara oscura de la luna, incomunicado y con claros trastornos de paranoia. Las escenas se suceden sin grandes puntos de giro a la par de la linealidad del relato. Entre Distrito 9 y este film, el cine independiente ha demostrado que sin excesivos presupuestos se pueden contar historias de ciencia ficción, hacerlas creíbles e incluso mantenerse en la historia del cine.
Faltan horas para que comience el festival de cine en Mar del Plata, pero la ciudad parece abandonada de mostrar su potencial.
No se engañen, el festival y su director lograron conformar una grilla de películas más que interesantes y premiadas en el mundo. ¿Pero es posible que estando a menos de 1 día de dar comienzo uno de los dos festivales importantes que tiene la Argentina no de signos de vida?
Las calles están calmadas, la publicidad es bastante seca; y en las oficinas del festival todavía no hay nadie encargado de dar información sobre el mismo ¿Era esta la única forma que tuvo la organización en juntar semejantes films? ¿Resumiendo publicidad del mismo, acortando los tiempos? Esta iniciativa tiene su lado positivo, ¿pero a que costo? Esperemos que para mañana comience con más fuerzas el esperado festival.
Otro dato para tener en cuenta es que la función apertura, y con la falta de la conocida alfombra roja, será con Invitaciones, suponiendo famosos, prensa u otros. Recordar que el film Un Hombre serio de los hermanos Cohen tendrá dos proyecciones más
El 24 Festival les abre las puertas de una programación sorprendente. Mas de 200 peliculas para disfrutar en ocho dias a puro cine. No hay excusas. El cine del mundo esta en Mar del Plata.
Recomendaciones: muchas Imperdibles: Demasiadas. Hay para todos los gustos en esta maratón cinefila. A abrocharse los cinturones el 24 Festival Internacional de Cine en Mar del Plata esta por comenzar.
Hay que tener en cuenta otras actividades que brinda la ciudad de Mar del Plata a la par del Festival, algunas muy interesantes para visitar. A su vez también existe un festival alterno muy independiente que dura dos o tres dias y que se realiza a la par, para tener en cuenta.
CINE MÓVIL
Tres cines móviles con proyecciones al aire libre (o bajo techo, por cuestiones climáticas). En barrios de Mar del Plata, Puerto, Batán y otras zonas. Programación apta para todo público. Consulte la programación definitiva en la sala de prensa.
CHARLAS EN INSTITUTOS DE ARTE DE DISTINTAS DISCIPLINAS, COLEGIOS, ESCUELAS Y OTROS LUGARES:
Se realizarán del 8 al 14 de noviembre en diversos horarios. Eje temático vinculado con la figura de Ástor Piazzolla, marplatense, músico de renombre internacional, y también actor en “El día que me quieras” (1935) junto a Carlos Gardel; compositor de música para más de 40 películas. Por favor, consulte la programación prevista en la sala de prensa durante el Festival.
Muestra Fotográfica Foyer Teatro Auditórium / Del 7 al 15 de noviembre Muestra Fotográfica La Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina (ACCA) presenta una exposición, coproducida con el Museo del Cine Lumiton de la Municipalidad de Vicente López, consistente en 30 fotografías inéditas del festival de 1959.
Ya estan publicados los horarios dia por dia en la web y en el pdf que les dejo a continuación, este año con el achique de dias para ser que la mayor parte de la programación esta toda junta, esperemos poder organizarnos.
Después del fallecimiento del propietario y fundador del circo, su compañía decide acudir a la hija de éste, Kate, quien se marchó 15 años atrás de ese mundo. A pesar de no tener demasiadas esperanzas en que acepte su ofrecimiento, Kate finalmente se une a ellos.El destino pondrá en su camino a Vittorio, un italiano que, atraído por la personalidad de Kate y la fascinación que le incita el mundo del circo, decide hacer el camino con ellos. A medida que se adentre en ese ambiente querrá conocer las respuestas a las dos grandes ingcógnitas que merodean entorno a la figura de Kate: ¿por qué se marchó de la compañía 15 años atrás? ¿por qué ha decidido volver?
Antichrist (Lars Von Trier)
Para ayudar a su mujer a superar la muerte accidental de su hijo, su marido, psicólogo, decide llevarla a una cabaña perdida en medio de un bosque, el lugar donde ella pasó el último verano con su pequeño. Pero la terapia no parece funcionar, ella comienza a comportarse de modo extraño, y la naturaleza también.
Away We Go (Sam Mendes)
"Un lugar donde quedarse" es la historia de una joven pareja que va a tener su primer hijo, y que se dedica a recorrer los Estados Unidos en busca del mejor lugar para comenzar asentarse y comenzar como familia. Cuando Burt (John Krasinski) y Verona (Maya Rudolph) descubren que están a punto de tener un niño, sufren una crisis de pánico. No soportan el pueblo donde viven, y ahora que los padres de Burt se mudan de allí, pierden el sistema de apoyo con el que contaban. Ambos deciden entonces emprender un viaje en busca del sitio ideal para echar raíces y criar un niño. De paso, visitan a una serie de parientes y amigos. Algunos son absolutos excéntricos, otros son conmovedores, pero todos ayudarán a Burt y a Verona a encontrar su destino. Acabarán por descubrir que para crear un hogar, sólo se necesitan el uno al otro.
Eden á l'Ouest (Constantin Costa-Gavras)
Edén al Oeste es un recorrido por los contratiempos de un joven emigrante tentado de entrar ilegalmente en la Unión Europea. Al igual que en "La Odisea", el Mar Egeo es el escenario donde discurren las aventuras de Elías, nuestro protagonista. En esas mismas aguas, bajo el mismo sol y los mismos cielos como en el amanecer de la civilización. Después de innumerables incidentes y accidentes, una escala en el paraíso y una estancia en el infierno, el mágico final de su periplo se desarrolla en París. París, la ciudad que resplandece en los anhelos más profundos, en el sueño más agitado de los viajeros. Edém al Oeste intenta recrear el camino, el viaje de aquellos (que fueron nuestros padres y nuestras madres) que cruzan tierras, océanos embravecidos y mares de uniformes, a la búsqueda de un hogar. La historia de Elías no es la de Ulises, ni tampoco la de Jean-Claude ni la mía. Pero me veo reflejado en Elías, un extranjero que no me es extraño.
Ricky (Francois Ozon)
Cuando Katie (Alexandra Lamy), una mujer ordinaria, conoce a Paco (Sergi López), un hombre ordinario, algo mágico ocurre: se enamoran. De su amor surge un bebé extraordinario: Ricky, una criatura capaz de volar.
Irène (Alain Cavalier)
¿Qué es una imagen? Esta pregunta de orden ontológico, quizás excesivamente epistemológica, pues implica pensar un criterio de demarcación entre el conjunto digital plural circulante de imágenes y eso que llamamos imagen cinematográfica, excede las cavilaciones íntimas de Alain Cavalier en su última película Irène, aunque no deja de ser una prueba de que la puesta en escena define la esencia de una imagen. En efecto, este monólogo filosófico y elegíaco sobre el amor y una mujer llamada Irène, del casi octogenario Alain Cavalier, lleva a pensar sobre la naturaleza de la imagen. Cavalier, aun cuando está trabajando con una cámara de video digital, consigue que una imagen esté inscripta en una naturaleza visual que se ve como cine. Pasa lo mismo con Kiarostami, Varda y Marker y sus películas en video. Más todavía: el procedimiento de registro de Cavalier es el mismo que puede intentar realizar un padre de familia filmando a sus hijos y hablando obre ellos mientras los captura con su lente. Ése es el misterio de Irène: ser cine en condiciones de producción “amateur”. A sus 78 años y tras la muerte de su madre, Cavalier se reencuentra con unos diarios de la década del 70. Esto lo remite a un viejo amor, que perdió la vida en un trágico accidente en 1972. Lógicamente, su nombre es el de la película. El otro amor de Cavalier es platónico: le profesa su adoración una y otra vez, aunque jamás la ha conocido, a la actriz Sophie Marceau. El film de Cavalier parece una carta de amor dispersa y un cuaderno filosófico en la tradición de las Confesiones de Jean-Jacques Rousseau. Es que no se trata de una filosofía sistemática, o un tratado al estilo de Godard y su Historia(s) del cine. Cavalier parece uno de esos filósofos que simplemente transcribe lo que le dictan sus sensaciones, aquí dispuestas en función de significar viejos lugares revisitados, fotografías, un diario. La voz en off y el registro van de la mano. Hay una coordinación prodigiosa entre ojo y cerebro, entre registro y recuerdo, entre voz e imagen, entre discurso y plano. Irène es una película sobre la intimidad, expuesta y examinada de un modo que conjura el exhibicionismo y el narcisismo: Irène no es el retrato de un Yo que incita al espectador a creer que el mundo de aquél es el mundo (y a venerarlo). Y tiene, además, un cuerpo que se filma y se infiltra, no sólo la voz o el reflejo en el espejo de Cavalier filmándose; las piernas que se hinchan o los moretones después de una caída en un subte son parte esencial del film. Como Varda lo hacía en Los espigadores y la espigadora, Cavalier también descubre sobre la marcha del rodaje el tiempo sedimentando en su organismo, el desgaste, el agotamiento ontológico: existir, objetivamente, cansa. Lo que no tiene tiempo es la validez de su meditación filosófica y cinematográfica. Irène podrá verse en dos meses, en un año o en un siglo. Filmar el tiempo, la memoria y la contingencia del Yo prevalece sobre los dictámenes de la moda y los cambiantes códigos del entretenimiento. Roger Koza
Nanayo (Naomi Kawase)
Naomi Kawase se toma un respiro, unas vacaciones de su Japón natal, y viaja a Tailandia para encarar una de sus obras más reposadas (aunque no exenta de sus picos de tensión, como se verá). Nanayo es sin dudas un film modesto en su filmografía, en el sentido de que parece parido en un período de descanso antes de un nuevo impulso; una pequeña película que completa y comenta sus más ambiciosas Shara y El secreto del bosque. La directora suele alternar largometrajes de ficción con obras más breves, documentales, cercanas en esencia a la idea de diario personal en formato audiovisual, pero incluso en sus relatos ficcionales la realidad tiende a filtrarse en cada plano. Nanayo no es la excepción, con su obsesión por las miradas, los cuerpos, la naturaleza y sus múltiples interacciones, como si en cada ínfimo gesto y movimiento, en cada gota de lluvia golpeando la tierra pudiera hallarse alguna verdad escurridiza, un destello de certeza avizorado pero inasible. Nunca conoceremos las razones por las cuales Saiko está en Tailandia, pero la notamos un tanto perdida, como si su travesía tuviera escasa planificación. Un viaje en taxi hacia algún hotel que la resguarde del mundo termina en confusión –la primera en una serie de cosas perdidas en la traducción–, violencia inútil y el descubrimiento de un vergel en medio del bosque, una casa familiar cercana al templo del pueblo. En ese lugar habita una mujer tailandesa, masajista de profesión, y su pequeño hijo, quien parece tener reservado un futuro de introspección religiosa. También ha ido a parar allí un francés que anda en busca de algo de paz (Grégoire Colin, rostro familiar en los films de Claire Denis), aunque quizás sea más preciso decir que terminó siendo atraído hacia el sitio, que parece funcionar como una suerte de magneto emocional. La película no abandonará la casa del bosque y aledaños sino ocasionalmente, cuando el particular quinteto que termina conformándose (el taxista se suma al grupo) decida recorrer las calles y locales cercanos. Todo esto es suficiente para que Kawase ponga en pantalla otra de sus reflexiones sobre el deseo, el dolor, la pérdida y la esperanza. Más que avanzar, la historia de Nanayo fluye plácidamente en sus precisos 90 minutos, poblada de encuentros y desencuentros culturales y lingüísticos, recuerdos de pérdidas y desapariciones, ansias nunca consumadas. Es precisamente una desaparición –la única que transcurre en tiempo presente– el disparador del caos dentro de un cosmos que se anticipaba frágil. Kawase parece decir que el desequilibrio es la norma y la armonía apenas un ideal. Una ilusión que ocasionalmente, tan fugaz como un relámpago que atraviesa el cielo, parece poder alcanzarse. Hay algo de quimérico en ese lugar en el mundo que retrata Kawase, un paraíso de fantasía que sólo puede ser real gracias a cierta disposición del espíritu o a la subjetividad más transitoria. Kawase sigue detrás de una caza imposible: la búsqueda de la belleza. Diego Brodersen
Taking Woodstock (Ang Lee)
Versión libre del nacimiento del festival más famoso de la historia. A modo de comedia desenfadada se nos relata, más que el propio desarrollo del festival, cómo surgió la idea de hacer un concierto para recaudar fondos y salir de una deuda familiar. Basada en las memorias de Elliot Tiber, es la historia de un joven que tuvo un importante papel involuntario para que el Festival de Música y Arte de Woodstock, en 1969, fuera un acontecimiento histórico. Elliot Tiber, un decorador afincado en Greenwich Village, Nueva York, debe volver a su pueblo para ayudar a sus padres a llevar un viejo motel llamado El Mónaco. Al enterarse de que en un pueblo vecino han retirado la autorización para que se celebre un festival hippy de música, llama a los organizadores pensando que puede ser la ocasión de revitalizar el motel. Tres semanas después, medio millón de personas se dirigen hacia la granja de su vecino en White Lake para participar en "los tres días de paz y música" que definieron a toda una nueva generación.
Un prophète (Jacques Audiard)
2009: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado / Drama carcelario / SINOPSIS: Un joven árabe (Tahar Rahim) de apenas 19 años ingresa en prisión para cumplir una pena de 6 años. Dentro la vida es dura, pero el joven despliega poco a poco un potente carisma capaz de hacer frente a los miembros de la mafia corsa de la prisión en intramuros.
Yuki & Nina (Nobuhiro Suwa)
Cuando Yuki, una niña franco-japonesa de 9 años, se entera de que sus padres se separan, comprende que deberá irse con su madre a Japón. Además de separarse de su padre, este exilio la obligará a dejar a Nina, su única amiga. Juntas intentarán impedir esta separación. Finalmente, fugarse al bosque les parece la última salida...
La adopción, esa determinación íntima, emocional y jurídica cuyos sentimientos, necesidades afectivas y temerosas elecciones han sido motivo de tantas películas, se manifiesta con toda plenitud en este arriesgado e intenso film de David Lipszyc. La historia empieza –aunque parezca una incongruencia– por el auténtico comienzo; es decir, por el niño en el orfanato, las sesiones y encuentros con la persona (un hombre soltero) que desea cumplir con ese acto de humanidad y esperanzas que es la adopción; porque él desborda cariño y necesita mperiosamente darlo. El desarrollo avanza de inmediato pues los matices argumentales comienzan prontamente a (des)cubrir situaciones coherentes y a la vez inesperadas, mientras que el espectador se siente partícipe protagónico de búsquedas, secretos, confesiones, inquietudes, historias ajenas... Y porque desgraciadamente forma parte de nuestra reciente Historia, ingresa también en los dramáticos momentos por los que pasó nuestro país hace treinta y tantos años. Es una película necesariamente dura, cuyo final, aquéllos que no advirtieron todos los matices del futuro posible de esos personajes, puedenconsiderarlo feliz.
Al morir su madre en un accidente, la vida de Andrés da un vuelco de alcances que ni él mismo puede anticipar. Estamos en la ciudad de Santa Fe, en 1977, donde la vida barrial es amable y apacible sólo en la superficie, mientras que todos conocen el funcionamiento del centro de detención clandestino que hierve de actividad de noche, emplazado junto al baldío en el cual los chicos juegan a la pelota y al poliladron por las tardes. Con ocho años, Andrés se ve forzado, tras la tragedia, a mudarse con su irascible padre y su hermano a la casa de su abuela, conocida en el barrio como Doña Olga, la figura protectora y matriarcal que se vanagloria de saberlo todo sobre su familia y sus vecinos. Aunque tal vez ni siquiera ella sepa de la otra vida de su nuera como militante; y mientras la atmósfera opresiva de los años de plomo se hace sentir en todos los ámbitos, del aula escolar a la mesa familiar, el atribulado Andrés va tomando conciencia de su realidad, curtiendo su carácter hasta casi deshumanizarlo. Sin abandonar jamás la mirada de su pequeño protagonista, la ópera prima de Bustamante va configurando secuencia a secuencia una historia de iniciación teñida de la dureza de la que se componen esas revelaciones que nos arrastran irremediablemente y sin vuelta atrás hacia la adultez. Daniel Bustamante
De acuerdo con Wikipedia, Chapadmalal es una localidad del partido de General Pueyrredón, provincia de Buenos Aires, Argentina. Fundada en 1887, se ubica sobre la costa atlántica a 23 kilómetros de la ciudad de Mar del Plata y cuenta con una población menor a los 2000 habitantes. De acuerdo con Alejandro Montiel, Chapadmalal es mucho más; un territorio abstracto y enigmático, en cuyos confines todavía es posible aprender algo a través del cada vez más olvidado arte de la conversación. Y Montiel lo aprehende de una manera tan simple que parece fácil: una cámara suelta en medio del Complejo Turístico Chapadmalal, varias preguntas y un grupo de jubilados del PAMI que reflexionan sobre la vida, el amor, el trabajo y el paso del tiempo. El resultado es Chapadmalal, una nueva localidad, paralela, en donde la experiencia personal se vuelve más precisa y valiosa que el discurso oficial (de la Historia, de la tercera edad), en donde lo viejo supera a lo nuevo y el pasado sirve de faro al futuro. Alejandro Montiel
Además de ser la única obra de Le Corbusier en tierra latinoamericana, la Casa Curutchet de La Plata fue la primera construcción con fachada única del arquitecto; esto es, delimitada por medianeras. Una de esas medianeras es, créanlo o no, la gran protagonista de la nueva película de Cohn y Duprat. Casi sin salir de ese ambiente peculiar de líneas rectas y colores fríos, El hombre de al lado se erige como una película sobre la arquitectura, pero no sólo la de casas y edificios, sino sobre todo la arquitectura compleja de las relaciones humanas. En particular, las que sostenemos con esa especie imprecisa que se conoce como “vecino”. En la Casa Curuchet vive, con su mujer y su hija preadolescente, Leonardo (Spregelburd): diseñador industrial famoso, políglota, snob, soberbio. En la casa de al lado vive Víctor (Aráoz): posible vendedor de autos usados, rústico, prepotente, grasa a más no poder. Cuando Víctor se empecina en abrir una ventana a la intimidad –a la propiedad– de Leonardo “para atrapar unos rayitos de sol”, la guerra de los mundos se vuelve inevitable. Así contada, El hombre de al lado puede parecer otra comedia costumbrista sostenida en estereotipos, pero no engañarse, porque el humor incomodísimo y la precisión formal de Cohn y Duprat echan luz sobre un terreno bien distinto: el de nuestros miedos, nuestras miserias, y lo solos que podemos estar aunque vivamos en sociedad. Gastón Duprat y Mariano Cohn
¿Cuál es la historia de las islas Malvinas? ¿Quién las descubrió? ¿Quién vivió allí en el siglo XVIII y cómo es que su existencia pasó prácticamente desapercibida tanto para Argentina como para Gran Bretaña antes de 1982? Parte retrato geográfico, parte investigación histórica, el documental de Antonio Cervi se propone el complejo objetivo (por lo oculto y resbaladizo) de arrojar luz sobre todas estas cuestiones vinculadas al origen de las islas Malvinas. A través de entrevistas con expertos británicos y nacionales, apoyados en análisis de documentos cartográficos y diplomáticos, Las islas expone de manera didáctica las hipótesis sobre los primeros avistamientos, el descubrimiento del lugar y las historias sobre la colonización (española, francesa, inglesa) hasta el preciso momento en que estalla la guerra. Con confianza en la Historia, como mejor instrumento de análisis y comprensión del presente, Cervi reconstruye un capítulo del pasado para prepararse para el futuro. Antonio Cervi
El 5 de abril de 2000, la pantalla de Crónica TV anunciaba, con tipografía catástrofe y sintaxis complicada, que el GRUPO COMANDO “SABINO NAVARRO” QUIERE ENFRENTARSE CON LAS ARMAS. Desde algún lugar de la selva entrerriana, y bajo los pasamontañas de rigor, los comandantes Chelo, Carlos y Pato anunciaban la vuelta de la lucha armada a la Argentina y auguraban, esta vez sí, la derrota del capitalismo. Millones de espectadores y oyentes de radio siguieron con preocupación las transmisiones, pero para esa misma tarde ya era público y notorio que todo había sido una puesta en escena de Juan María Lima, Carlos Sánchez y Patricia Rivero, militantes añejos y líderes piqueteros cansados de la indiferencia de las autoridades; la “selva” era apenas un parque de la costanera de Concordia. Después de la cárcel y la condena social, Herzog los convence para que actúen su propia historia. Pero Orquesta roja no es esa película sino una extraordinaria –en todo sentido– cruza entre su making of, cine dentro del cine, policial negro con todas las de la ley y documental; un agudo documental no sólo sobre el “confuso episodio” de aquel 5 de abril, sino además sobre el papel de los medios de comunicación y el cine en la construcción de esa ficción que llamamos realidad. Nicolás Herzog
Hombres que hablan de sus recuerdos, de futuros truncos, de la imposibilidad de elaborar el duelo cuando faltan los restos mortales. Diez maridos (algunos viudos) de Madres de Plaza de Mayo, que compartieron el dolor pero nunca se nuclearon en un grupo que les diera la visibilidad y el reconocimiento que alcanzaron sus mujeres. En sus palabras aparecen recurrencias –las que unen a buena parte de las historias de detenidosdesaparecidos–, pero se imponen las particularidades: está el abogado que tuvo ocasión de preguntarle al mismísimo Massera por el destino de sus tres hijos; el hombre que fue llevado hasta el suyo a punta de pistola, y aquel otro que llegó a identificar un cadáver al que sin embargo no pudo darle sepultura, porque lo desaparecieron dos veces, una después de muerto. Así como son de diversas las historias, lo son también los procesos que han atravesado estos sobrevivientes, los caminos que encontraron para seguir adelante, el tiempo que les llevó poder hablar de sus pérdidas. Y las formas que adoptan sus relatos: de la indignación y el quiebre emocional hasta la palabra reflexiva que parece buscar refugio en un resto de racionalidad. Es allí, en esos puntos de vista hasta ahora poco abordados, que encuentra su singularidad Padres de la Plaza, aportando una pieza fundamental para seguir completando ese agujero negro que es la historia argentina contemporánea. Joaquín Daglio
Una larga y a menudo perversa relación une a cine y voyeurismo; una tradición que se ha visto potenciada por las tecnologías digitales a lo largo de las últimas dos décadas, y que sin embargo hasta ahora no había cuajado en una película argentina que tuviera la capacidad para hacernos sentir la mirada de otro como lo ha conseguido el primer largo de ficción de Cruz. Su temporalidad quebrada hace empezar el relato en el Delta, adonde los protagonistas, una pareja con treinta años de matrimonio aparentemente apacible a cuestas, han ido a pasar un fin de semana. Allí encontramos a Gustavo y Lola, en agitado movimiento en medio de la vegetación. Él tiene sangre en la ropa y en el cuerpo, y de pronto se detiene para lo que amenaza con ser el comienzo de una confesión. A partir de ahí, todo retrotrae a un pasado de fantasmas, de culpas, de ocultamientos. Él es un neurocirujano respetado; ella, una exitosa arquitecta, y el relato de lo que pudo haber pasado en sus vidas personales y profesionales nos llega de modo fragmentado, a través de las imágenes furtivas de una cámara de video. Apenas unos minutos contenidos en esa pequeña caja electrónica alcanzan para desmoronarlo todo, y tan sólo esa certeza y una atmosférica ambientación nocturna alcanzan para hacer de éste uno de los relatos más tensos que hayan surgido en la producción nacional de los últimos tiempos. Víctor Cruz
Desde muy joven, el cineasta-autodidacta-visionario Lumière soñó con hacer la mejor película de ciencia ficción de todos los tiempos. Para lograr su propósito, filmó con entusiasmo unos cortometrajes protagonizados por dinosaurios, vampiros e invasores del centro de la Tierra con piezas de la tecnología más precaria disponible, creyendo que así llegaría a ganar fama y fortuna. Lamentablemente, esto último nunca ocurrió. Sus películas pasaron desapercibidas ante los ojos tanto de críticos como del público en general. Desde ese presente levanta vuelo la secuela a la ya de culto TL-1: Mi reino por un platillo volador, destinada a retratar la búsqueda desesperada de Lumière por un elenco, un equipo de filmación y, más importante, un productor. A mitad de camino entre ciertas comedias slapstick mudas y el mockumentary, Tetsuo Lumière construye con TL-2: La felicidad es una leyenda urbana el segundo capítulo de una obra caracterizada por la obsesión de no detenerse y explotar al máximo cada pequeño recurso. Tetsuo Lumière
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